Calamaro, divino tesoro

viernes, 22 de octubre de 2010


Un ardiente Andrés ofreció lo mejor de su repertorio ante un Orfeo repleto. Recordó a Mariano Ferreyra y comprobó cómo el pueblo cuartetero superó el desafío de la amargura.

Andrés Calamaro está fuera de registro en el show bizz. Es una rareza total, definitivamente. Es un entretenedor nato que volvió de los infiernos y que ahora, en el cénit de sus potencialidades expresivas, se permite divertir, sembrar conciencia, tomarse el pelo (con mucho hielo) y hacer grandes pasajes de un stand up comedy en los que pone a prueba la tolerancia de un soberano demasiado ansioso por escuchar "esas" canciones.
El jueves a la noche, ante un Orfeo repleto hasta en las butacas de los Vips añadidos para la Davis que no fue, no quedó nada que reprocharle al más singular de los solistas argentinos (y globales), como tampoco él tuvo margen para expresar "son más amargos que el fernet", tal como había amenazado en la previa. Él cumplió con un repertorio imbatible, el público cordobés con una entrega total. Así, superado el desafío de la amargura.
Claro que a este cultor de la editorial al instante no le cabe agotar todo en el ritual narciso de mostrar qué tan genial es. Y entonces puede cortar el mambo ritualista para exigir que se recuerde a Mariano Ferreyra, "el militante del Partido Obrero, de 23 años, muerto por balas misteriosas en los oscuros pasillos del Justicialismo". Un comment oportuno en un día heavy para esa nación que antes era bizcochuelo y hoy gelatina.
Al gran pueblo cuarteteroCalamaro afrontó su show anual con look sobrio y una vincha que lo dejó entre Keith Richards y Santana. Y una banda de respaldo más al hueso en relación a la de años anteriores: tres violas (la suya más las del binomio Diego García y Julián Kanevsky), bajo (Candy Caramelo), batería (Niño Bruno) y teclados (Tito Dávila). En los pasajes más rockeros, esa formación explota (El perro, Out put In put, Alta suciedad); en los más populares (cumbias como Las tres Marías y Tuyo siempre, rumbitas como Sin documentos), se mueve sinuosa y ganchera, permitiéndole al frontman percutir el cencerro para que uno se tiente con asociarlo al Miguel Abuelo del mítico show en el Ópera.
Hubo canciones de todos los momentos de la vida musical de Andrés. De Los Abuelos, Costumbres argentinas, Mil horas; de Los Rodríguez, Me estás atrapando otra vez, Canal 69, Todavía una canción de amor; de su obra solista, la lista fue interminable: El salmón, All U need is pop, Revolución turra, Flaca, Estadio azteca, Comida china, Mi gin tonic (previo permiso al pueblo fernetero), Carnaval de Brasil. También sonó Los chicos, con la consecuente proyección de imágenes de los grandes héroes musicales que partieron. Si no lloraste al ver a Pappo o al Potro Rodrigo, puede que seas marciano.
Imperdible el movimiento humorístico en torno a la potencial amargura comechingona. En ese marco, Calamaro recordó la hostilidad de los cordobeses para con Los Abuelos de la Nada en La Falda 82 (una causa que expiró gracias al amor que supo conseguir) y revisó ciertas referencias pintorescas como el laberinto de Los Cocos, el Cucú de Carlos Paz. Por ahí fue que alertó sobre el componente cordobés de Sumo, y le pidió a Luca Prodan y a Ale Sokol que le guarden "una nube por los servicios prestados". Redondeó todo con la siguiente alocución: "no sé si es un piropo o una ofensa, pero Córdoba es más Brasil que Argentina".
Como siempre, Andrés se permitió filtrar clásicos del rock universal como No woman no cry, de Marley, o Ruby tuesday, de los Stones, todo en un tono medio Escuela de rock. Pero ninguno resultó tan sentido y respetuoso como el Imagine, de Lennon, que llegó al final. Es una canción alguna vez acusada como irresponsable por cuanto pone a un millonario anhelando un mundo sin propiedad privada. Es evidente que Andrés la interpreta por el mensaje más que por las circunstancias de su composición. Después de todo, no sólo se asumió un hedonista ético sino que, alguna vez, se preguntó: "¿qué clásico de rico será el que no lleve, todo junto y en un puño, la siquis y el latido de su pueblo". El año que viene volverá a pasar. Pero más temprano. ¿Cosquín rock?

Amy Winehouse versionó a Oasis y lanzó su línea Fred Perry

La popular cantante oficializó su línea de indumentaria femenina y homenajeó a uno de sus grupos ingleses favoritos.

Como toda celebridad que quiere seguir manteniendo su estatus, Amy Winehouse no descansa. Mientras piensa en el sucesor del multiplatino Back To Black (2007), continúa tocando en vivo y emprendiendo otros negocios.


Así, durante la fiesta lanzamiento oficial de su línea de ropa Fred Perry, la cantante se despachó con un mini concierto sorpresa en el cual tocó “Don’t look back in anger”, aquella hermosa canción del álbum What The Story? (Morning Glory) (1995) de Oasis.

Entre periodistas e invitados especiales, la amiga de Pete Doherty también se acordó de homenajear a Duke Ellington, despuntando una festejada versión del clásico “Caravan”. La velada se realizó en un local de Londres, propiedad de la prestigiosa marca de indumentaria.

Allí, además, se oficializó la gama entera de diseños, los cuales incluyen polleras, pantalones, camisas, vestidos enteros, remeras de piqué, suéters, camperas, cinturones y carteras. Obviamente, todo con un toque muy british.

Las Pastillas Solidarias

Las Pastillas del Abuelo presentarán el documental “Tantas Manos”, dirigido por Diego Panich, el lunes primero de Noviembre en la Trastienda Club a beneficio de Casa Vela.
Las Pastillas presentaran el documental “Tantas Manos” que cuenta el proceso creativo de “Versiones”, último disco de la banda. Hay imágenes de la grabación, realizada en el estudio Pappo Napolitano, durante el programa “Cual Es” de Rock & Pop. Además, cuenta la relación del grupo con Yo No Fui, asociación dedicada a la reinserción en la sociedad de mujeres privadas de su libertad, y que en este caso, fueron los creativos del original arte de tapa del nuevo disco de Las Pastillas.

El documental fue realizado por Diego Panich, conocido Director de videos musicales de bandas como Juana la Loca, 7 Delfines, Mississippi y editor del último DVD de Gustavo Cerati Fuerza Natural.
La presentación se realizará en la Trastienda Club, el 1 de noviembre a las 19 hs. El total de lo recaudado es para Casa Vela, hogar de día para chicos que huérfanos de padres con SIDA. La entrada incluye de regalo la remera de la caminatón de 2 km por SIDA con la inscripción de Las Pastillas del Abuelo.

Grabación, disco, ensayos, pruebas de sonido, shows en vivo, creación arte, que es yo no fui, son algunas de las tantas escenas que se verán en el documental de una hora de duración.


La herencia de No Te Va Gustar

jueves, 21 de octubre de 2010

Como antesala al show que darán en el festival de la gaseosa este sábado, nos juntamos con Martín y Denise, trompeta y trombón de NTVG, para descifrar las delicias de la música que suena desde el otro lado del Río de la Plata. La superchería, la masividad y la murga…

En un momento tuvieron la cábala de saltar antes de cada show¿qué otros rituales manejan?


Denise: Saltar fue nuestra cábala hasta que un invitado nuestro se esguinzó el pie y tuvo que salir a tocar esguinzado. Perohemos tenidos varias; cantar, aplaudir, depende el momento en que nos encuentres. Una cábala recurrente tiene que ver con el tema 13, que no aparece en ninguno de nuestros discos.

Martín: Cuando hicimos el Teatro de Verano nos subimos al barco vikingo.

¿Qué diferencias se generan en ustedes cuando tocan para 100 personas y cuando tocan para 10.000?
D: La energía tiene que ser la misma. Con las mismas ganas de dejar todo.

M: Si el toque es chico, generalmente tenés a la gente muy cerca y se crea otro grado de complicidad. pero la manera en que subimos a dar el show es la misma.

¿Qué tiene la música uruguaya que la hace tan especial?
M: la música popular uruguaya es muy variada, tiene una amplia historia y tiene sus particularidades. Hay estilos como el candombe y la murga, que son cosas super uruguayas. A pesar de que el origen de esa música sea africano, el enfoque artístico tiene un enfoque uruguayo. Lo que tiene el Uruguay es que los artistas estamos muy cerca entre todos, entonces estamos en un proceso de constante influencia por el otro.

¿Qué murgas andan escuchando ahora?
M: A contramano
D: Curtidores de hongos.

¿Qué los atrae de sus respectivas músicas?
D: cada murga tiene su cosa distinta. Algunas tienen un gran mensaje, otras un gran coro, otras un gran humor.

M: cada una tiene su sonido, su identidad, sus integrantes, su historia. Y su sonido particular que viene del lugar donde fue formada.

¿Qué murgas los formaron artísticamente?
M: Hay varias: Araca la Cara, Falta y Resto, la Gran Muñeca, Asaltantes con Patente…


El hambre y las ganas de comer

Este sábado, en el ND Ateneo, Gabo Ferro presentará “El hambre y las ganas de comer”, el disco que grabó junto al escritor Pablo Ramos.

En uno de los más cómodos teatros porteños, Gabo repasará sus discos anteriores y dará a conocer este nuevo material en el que converge la música y la poesía dentro de trece canciones escritas, junto a Ramos (Premio Casa de las Américas), entre Berlín y Buenos Aires. El álbum cuenta con la participación de Miss Bolivia, Federico Ghazarossian, Camilo Carabajal, Agustín Durañona y Demian De Gennaro.

Una semana después, repetirán el evento en Uruguay. Para estos shows –y de aquí en adelante-, el cantante y guitarrista dispone de una nueva banda: Agustín Durañona en piano, Santiago Compiano en guitarras, Federico Vázque Gil en sintes, Emiliano Caffarelli en bajo y Francisco Moscuzza en batería.

El primer video de Ciro



Con la dirección de Alberto Carpo Cortés, Andrés Ciro subió el primer videoclip de su etapa solista.
Se trata de “Antes y después”, corte difusión del disco “Espejos”.

Se palpita el Pre Cosquín Rock en Santa Fe

El Anfiteatro del Parque Sur será escenario para la clasificación a la edición 2011 del festival de rock más grande del país. Se desarrollará desde este jueves al sábado 23 y participarán unas 20 bandas locales. Además, habrá espectáculos de grupos de la región. Apoya el Gobierno de la ciudad. Desde este jueves al sábado el Anfiteatro “Juan de Garay” del Parque Sur será el marco ideal para que Santa Fe sea protagonista del Pre Cosquín Rock 2011. Una veintena de grupos locales participarán del certamen clasificatorio para el festival rockanrrolero más grande de la Argentina. Además, como antesala de la competencia artística, sobe las tablas del escenario a cielo abierto se presentarán bandas de la región que llegan a la ciudad para apoyar la iniciativa. Protagonistas La programación se desarrollará en tres jornadas a puro rock, comenzando este jueves a las 20.30, con entrada será libre y gratuita; además de los competidores, los protagonistas serán reconocidos grupos de la región que se presentarán por fuera del concurso; ellos serán: Abismos Clasificados, Diario en Venus, Los Cables, Cruz del Sur y Manga. El viernes la velada artística volverá a comenzar a las 20.30, pero la entrada tendrá un valor de 10 pesos. La entrada del sábado tendrá el mismo costo; los conciertos de ese día arrancarán a las 15.30. Entre otras, las bandas inscriptas en el certamen son: Garage, Univerzoo, Tramontinas, Los Hijos de Leonardo, Orden del Fauno, Bajos Recursos, La Hoguera, Austral Dreams, Namasthe, Bajo Piel, Temperamental, Bendito Ocio, Poder Natural, Litoral Blues, Cul de Sac, Contramano y Dr. Donado. Cosquín en Santa Fe Como cada año, en 2011 Córdoba será sede del festival de rock más impactante del país; como cada año, meses antes de la concreción, las bandas de las diferentes geografías argentinas concurren al Pre Cosquín Rock, donde se seleccionan las que pasarán al certamen mayor, donde mostrarán su música junto a los grandes artistas que compondrán la grilla final. En este marco, Santa Fe ingresa al mapeo nacional como subsede de Paraná. Así, del 21 al 23 de octubre la competencia artística se desplegará sobre la escena del coliseo a cielo abierto más grande de la ciudad. Desde la organización mostraron “absolutamente satisfechos por la convocatoria de bandas; estamos convencidos que serán tres días en los que viviremos el rock a flor de piel y confiamos en que muchos santafesinos irán al Anfiteatro a disfrutar de la buena música”.

The White Stripes: se subastó un viejo simple en 18.000 dólares

El segundo simple lanzado por The White Stripes fue subastado en 18.000 dólares. La versión de “Lafayette Blues” apareció en el mercado en 1998 a través del sello Italy Records.

Originalmente puesto a la venta a un valor de 6 dólares, el arte de tapa consistía en una pintura hecha a mano por el propio Jack White y Dave Buick, el dueño de la compañía. Sólo se hicieron 15 copias con esa portada aunque la que se subastó recientemente y adquirió un coleccionista sólo llevaba la firma de Buick, según informó Consequence Of Sound.
En 2003, un ejemplar de ese mismo simple se vendió por 800 dólares y un año después otro fue adquirido en 2.700 de la misma moneda estadounidense.
Y en tren de rarezas, cabe mencionar que, antes de dar vida a The White Stripes, el inquieto Jack White fue un aprendiz de tapicería y formó una banda con un compañero de trabajo, Brian Muldoon, a la que bautizaron The Upholsterers (Los Tapiceros). El dúo grabó un EP, 100 de los cuales se escondieron dentro de un mueble en el que estaban trabajando. Hasta ahora, se desconoce si alguna persona encontró alguna copia.


Bomba Estéreo: la danza de los poseídos

miércoles, 20 de octubre de 2010

El cuarteto colombiano se presentó en la segunda fecha indoors del Pepsi Music 2010; crónica y fotos

Como embrujados por un poder hasta ahora desconocido, los poseídos se menean en un baile orgiástico y le rinden tributo a un Dios del placer, de la lascivia, de los excesos: se mueven en cámara lenta, se aceleran, ganan velocidad vertiginosa y vuelven a aletargarse. Vacilan. Se tocan. Se rozan, se frotan. Sugieren y hacen explícito en un mismo acto rítmico: supuran sexualidad. Los responsables del efecto provienen, claro, desde arriba: los compases de ese sonido extraño, el resultado de una fusión entre ritmos provenientes de África, combinados en la música autóctona colombiana, la cumbia, la champeta y el bullerengue, y la electrónica y algo de rap y hip-hop. Los compases del electrovacilón, la cumbia psicodélica de Bomba Estéreo.
Quienes no hayan escuchado jamás una muestra de esta mezcla, quienes no hayan siquiera percibido al pasar el grito salvaje del hit "Fuego", entonces no comprenderán (al menos no hasta que no lo hagan o puedan sentir la experiencia del vivo) el significado de estas palabras. Porque Bomba Estéreo es cosa bastante rara, por eso la magnitud del fenómeno que los llevó a editar su segundo disco (Estalla, 2008) en varios puntos del planeta, incluidos los Estados Unidos, y a presentarlo a través de los continentes, con una gira que no se acaba nunca.
No es la primera vez que aquella instantánea es tomada en Buenos Aires: a mediados de mayo de este año, los poseídos asistieron a Niceto Club también respondiendo al mismo llamado. El cuarteto colombiano regresó en menos de seis meses para pulir los efectos del ritual o volver a generarlos. En esta oportunidad, el contexto es distinto: la segunda fecha indoors del Pepsi Music, los coloca en el centro de una grilla muy rockera y sorprende con las características de la jornada. Antes, las Kumbia Queers -proyecto cumbianchero-rockero-tropipunk, como le dicen, liderado por la mexicana Ali Guagua- presentaron algunos temas de su segundo disco, a punto de editarse a fin de este mes: La Gran Estafa del Tropipunk (producido por Pablo Lescano) y prepararon la pista con sus tracks pegadizos y sus covers espectacularmente deformes o deformemente espectaculares y coloridos.

Keith Richards: “Mick Jagger es insoportable”


En una reciente entrevista, el influyente violero Stone aseguró que su compañero se volvió difícil de llevar a partir de los ochenta.


En sintonía con la promoción de su autobiografía, Life, la cual llegará a las librerías el 26 de octubre, Keith Richards continúa desmenuzando su pasado y desnudando a su viejo y querido camarada, un tal Mick Jagger.

Durante una reciente nota, el violero Stone no dudó en declarar que, a partir de principios de la década del ochenta, el cantante se convirtió en una persona insoportable.
Tanto en el texto de próxima edición como en las entrevistas, Richards se acuerda su eterno socio, a quien solía llamar “Brenda” o en su defecto “Su majestad”. Sin embargo, adelantó que Jagger ya leyó el libro y que no ofreció mayores objeciones ni que oculte partes.
En cuanto a los rumores acerca de una nueva gira de The Rolling Stones, el carismático e influyente guitarrista aceptó que volverán a las pistas. “Volveremos a la ruta otra vez en el futuro. Eso va a pasar… Ya lo he conversado con Su majestad Brenda”, apuntó sonriendo.

Richard Coleman: Se lanza de manera solista

Con un álbum que llevará su apellido a manera de título, Richard Coleman se encuentra puliendo los últimos detalles de lo que será su lanzamiento solista.

Muy lejos de proyectos del calibre de Fricción y un poco más cerca de otros como 7 Delfines, el ícono dark argentino unió fuerzas con Tweety González y juntos le dieron forma al disco que lo hará debutar en las bateas con su nombre propio.
Además del tecladista de Soda Stereo, en el álbum también dejaron su impronta el ex baterista de Divididos, Jorge Araujo, Dani Castro, Ulises Butrón (compuso la canción “Escarabajo”) y Gustavo Cerati, quien tocó la guitarra en el tema “Es normal” antes de la desgracia que aún lo tiene en estado de coma.
Además, la obra contará con otras composiciones como “Turbo elixir”, “Hamacándote” (joyita acústica) “Jamás”, “Cosas”, “Casa de papel” (Robert Smith moriría de envidia) y “Jardines líquidos”, entre otras.
Entonces, después de dejar registrado un disco unplugged con Braulio Aguirre y Germán Lentino (se titulará Canciones Desnudas y verá la luz a fin de año), Coleman ya está planeando sus pasos a futuro.
De hecho, para despuntar el vicio emprenderá una gira acústica que comenzará en Bolivar (22/10 en La Vizcaina), y continuará por Mar del Plata (23/10 en Abbey Road) y Quilmes (30/10 en Salón Tucumán).
"Necesito salir un poco de la infraestructura que exige tocar en una banda de rock, y hacer escuchar estas canciones en su esencia mas pura, a todo el público que se quiera acercar", apuntó el cantante y guitarrista.


Pepsi Music 2010 Día 4: amarillo, verde y rojo




El cuarto día del festival del petróleo gasificado estuvo teñido de relajación, rastas y humo. Sobre el escenario, distintas generaciones de música reggae llegaron al predio de la Costanera Sur para festejar los logros y virtudes de un estilo que cada día pisa más fuerte.
Dentro de la lista de las bandas aparecieron nuevos y viejos referentes del género. Bandas nacionales de larga trayectoria como Los Cafres, Dancing Mood o Actitud María Marta se codearon con otros que están armando su camino como Leónchalón, Juan y los que Ríen y Contravos; todos bajo la misma vibra. Las notas exóticas las marcaron el italo-jamaiquino Alborosie & I. Eye, pero el cierre de oro fue a cargo de el trío vocal The Abyssinians, figuras culto de la música reggae, que trajeron un poco de lo más puro de la interpretación rasta. Extrañamente, no se vio a ningún hijo perdido de Marley este año.
Siendo que hace algunos años hubiera sido impensado tener un día temático reggae, muchos artistas remarcaron como causa al mensaje positivo y la sensación de fraternidad que transmite el estilo. Pety, el cantante de Riddim, nos comentó que para él “el reggae es una musica espiritual, por su ritmo y su mensaje y eso hace que se cree un sentimiento de comunidad. Acá reina la paz, el amor y eso trae un cambio”.
Una de las consignas recurrentes fue la lucha contra Babilonia. Acerca de la posibilidad de combatir al sistema tocando en un festival organizado por una de las multinacionales más poderosas del mundo, el italo-jamaiquino Alborosie nos comentó: “vivimos dentro del sistema, dentro de Babylon y es desde adentro desde donde debemos cambiar las cosas. Hoy tocamos por primera vez en Argentina porque fuimos invitados por la Pepsi, y por eso pudimos venir a conocerlos. Nuestras contribuciones son desde adentro del sistema porque somos parte de él. Nadie vive sobre un árbol, todos vivimos en el sistema. Y desde ahí es de donde tenemos que luchar, para poder sobrevivir”.
Sobre el mismo tema, Guillermo Bonetto, de Los Cafres nos explicó que, para él “hay que saber aprovechar las cosas buenas que tienen los demonios. Y hay que combatir al sistema desde adentro. Yo tengo celular, tengo auto y puteo a otro cuando no me deja pasar. Uno está adentro, pero la idea es ser humano”.

Javier Martínez, Ciudadano Ilustre y show con Chizzo


Más de mil personas pudieron disfrutar de una velada desbordante de emoción, talento y sobre todo mucho rock. Manal Javier Martínez, el flamante Ciudadano Ilustre de Berazategui, brilló en el Centro de Actividades Roberto De Vicenzo en un concierto que recorrió su carrera solista, y no faltaron los clásicos manaleros, que el público pedía a gritos, y Javier supo satisfacer.

El jueves 14 de octubre, junto a Edgardo Palotta y Maxi Delli Carpini, Manal Javier Martínez se mostró muy poderoso y contundente. Tocaron por más de dos horas frente a un auditorio heterogéneo en edades, pero emocionados por igual.
La participación de los invitados especiales, fueron sin dudas el aditivo perfecto para este gran concierto. Gustavo “Chizzo” Nápoli, de La Renga, puso su voz y guitarra a los clásicos Doña Laura y Salgan al sol. Chizzo se mostró muy emocionado porque compartir el escenario con Javier era un sueño pendiente, ¨De chico me decían Manal¨, confesó en el ensayo cuando pudo conocer a su ídolo días previos al show.

También participó -con su bajo y voz- Clavito Actis, de Clavo´s Band, en los temas Blues de Pappo y Juan despierta ya. Y siguiendo la reunión blusera, se sumó la guitarra de Martin Luka, de La Luka Blues Band.
Entre el público también se encontraban amigos y fans que no quisieron perderse este momento histórico de nuestro rock, como el Tete de La Renga, Daniel Buda Giordano de Inazulina, Rafa Daney de Confucionistas, Matias Pompilio de Dos Comodines, y Martiniano Molina que se instaló frente al escenario para no moverse hasta el final.
Todo empezó alrededor de las 20.30, con la proyección de un audiovisual que, además de una breve cronología de la carrera de Martínez, incluía saludos de adhesión de importantes figuras del rock y la cultura. Entre ellos Diego Capusotto, Alfredo Rosso, Pipo Lernoud, Miguel Grinberg, Gustavo ¨Chizzo¨ Napoli, Fabián Matus, Daniel ¨Ruso¨ Beiserman y Billy Bond, entre otros, además del propio Javier que se manifestó emocionado y muy feliz con esa distinción.

A continuación se leyó el Decreto Municipal que declaró Ciudadano Ilustre berazateguense al vecino Javier Martínez, el Secretario de Cultura Ariel López y su equipo entregaron la placa y los obsequios especialmente confeccionados para la ocasión en vidrio, en razón de ser Berazategui la Capital Nacional del Vidrio. Javier subió al escenario, reverenció al público que no paraba de aplaudir y expresar la emoción que finalmente abarcaba todo. Extrañamente, él que trabajó toda su vida con su voz y las palabras, de pronto se encontró con la dificultad de decir más que unas pocas ¨gracias¨ fue una de ellas. Agradeció nuevamente a las autoridades municipales y a todos los que hicieron posible este reconocimiento, que como él mismo comentó en diversas oportunidades lo ¨conecta con lo más hermoso, con su infancia y con su gente, el pueblo de Berazategui¨. Y es que esta ciudad, que en pocos días cumple el primer cincuentenario de su autonomía, ha sido su hogar desde los dos a los siete años de edad, cuando Javier vivía en Ranelagh y su padre trabajaba como contador de una empresa local.

El acto ceremonial quedó atrás, y el resto de la formación manalera tomó sus puestos: un concierto increíble, memorable y poderoso. Javier demostró destreza, excelencia técnica y experiencia, en un repertorio notable. Su carisma y la respuesta del público se sumaron para hacer de esa noche única un evento para recordar. Delli Carpini y Palota precisos, aportaron sus magistrales ejecuciones y demostraron un profesionalismo destacable.
Muchos jóvenes cantando las canciones, que luego de haber estado Chizzo en el escenario se quedaron agolpados frente a las vallas de contención disfrutando del arte de Javier y pidiendo temas de todas la épocas. Una noche soñada. Generaciones unidas por la música, la poesía y el rock de un enorme artista que, desde hace 23 años, ha elegido volver a vivir en Berazategui.

Martes 20 de Abril 2010

martes, 19 de octubre de 2010



1973.- Los Rolling Stones publican “Angie”, una de las baladas más conocidas del mítico grupo inglés. La canción, que Mick Jagger dedica a la mujer de David Bowie, logra mantenerse varias semanas en el número uno de las listas de ventas. La melodía se incluye en el álbum “Goats head soup”, el trabajo número 19 del grupo.

Fito


La cronología de la gira Paez, y su reciente álbum “Confiá”, tuvo su piedra basamental, en Rosario, el viernes pasado. El rosarino, encabezando una aceitada y luminosa banda, presentó en su ciudad natal, un concierto en Metropolitano, con canciones de su amplio repertorio, que dejaron más que satisfecho al público; sensación de saciedad que no pareció reflejarse en el compositor local, que si bien dejó todo en el escenario, intimó exigentemente al público, no por negarle un aplauso, sino por el poco feedback que detectó a los largo de las más de dos horas de show, y que no lo dejó conforme.


En realidad el recital estaba pensado con una estética más intimista y descontracturada. El escenario con muchos leds arriba y varias sillas debajo estaba preparado para que unas dos mil personas pudieran disfrutar de la canciones de Páez sin amontonarse, ni empujarse, y es dónde yace la diferencia principal. Hace rato que lo de Fito no es más el pogo, y es celebrado, porque su público fieloscila en un target de los treinta en ascendente (el sweater en las espaldas da década del ‘80). No es una cuestión de gustos, ni de calidad, sino más bien generacional.


La idea de un público apoltronado en sus lugares no tuvo un concepto para nada erróneo, porque todo puede recepcionarse de mejor forma. Y fue el mismo Fito quien soltó: “parece un concierto de música clásica, porque están todos sentados”, y hasta ensayó una coreografía de funeraria, cuando se desplomó hacia el piso, para fingirse muerto y lanzó: “me voy a quedar dormido”, sin tener en cuenta que además, en otro arrojo innecesario, manifestó: “la droga de Rosario está viniendo bastante mala” y “ojalá, cuando salgan, pasen por un bar, se metan un trago, y se exploten el corazón”, en un nuevo momento de indescifrable ira paeciana.

Ni el más positivo podría imaginar que después de este feeling gélido con la gente, el show, por su set list y la calidad de los músicos todos ensamblados, fue de antología. La noche fue larga. “Folies Verghet”, “Once y seis”, y “El chico de la tapa” fueron apenas un puñadito de clásicos que sonaron en los acordes de Paez y su estupenda banda.

No faltaron las de “Confiá”, “El mundo de hoy”, “La ley de la vida” que contó con un juego de láser, “Lindo Mambo”, una canción que Fito compuso a una chica que le mordió la mano en una habitación (sic): “En el baño de un hotel”, y “London town”, la primera en la que el público descansó en sus lugares, y en la que pudo, además, deleitarse uno de los tantos solos de viola del gran Dizzy Espeche.

Pero de las nuevas, la spinettiana “Confiá”, que da nombre al álbum, y “Tiempo al tiempo” ya se acercaron más a lo que podría ser un éxito, aunque en el bloque “cantante uno que sepamos todos”, no faltó un solo título. A saber: “Y dale alegría…” (que básicamente fue cantada por el tecladista Juan Absatz y el guitarrista Carlos Vandera), y “La rueda mágica”, “Brillante sobre el mic” y “Un vestido y un amor” del grandioso “El amor después del amor”, que en canción propia apadrinó la presencia de los alaridos irresistibles de Claudia Puyó.

Si la del personaje de Federico Luppi a Arteche es la puteada más sublime del cine nacional. La de “El diablo de tu corazón” (óigase track uno del disco “Rey sol”) lo será para la música local, pero también hubo para todos los gustos y de todas las épocas. Coki Debernardi demostró sus habilidades en la percusión. “Ambar violeta” hizo lucir a los invitados, los Killer Burritos (banda con la que Fito estuvo un tiempo importante de gira) y a Gonzalo Aloras quien se encargó de interpretarla en una muy buena versión del artista local.

Es innumerable la lista de canciones consagradas que pudieron disfrutarse el viernes en el Metropolitano y Fito fue mutando, arrancó de traje blanco y terminó estallando hasta tirar el micrófono en un blooper. Improvisó, burlándose de los técnicos en algunos acoples, se despachó con un solo de piano y una íntima e inolvidable versión de “Cable a tierra”.

Fito Paez se despidió con esas barrabasadas de que la droga es mala y que la gente no estaba con las pilas puestas. Nadie se fue. La banda regresó y con “Dar es dar” y “Mariposa technicolor” en los bises, las butacas pasaron a convertirse de una platea de antaño, a una popular de cancha, con gente revoleando las remeras, pero igual no hubo reconciliación. Vaya a saber qué se le cruzó por la cabeza. Tampoco es tan grave.

Fito Paez, ahora, es el cantante de una sublime banda, encaminada por el rosarino Diego Olivero y rocanrolizada por el incisivo Dizzy Espeche. Fue una lástima que se haya extralimitado en la ciudad que lo vio nacer y lo tiene como hijo pródigo en un altar junto al Olmedo, Fontanarrosa y el Ché Guevara, o más bien innecesario, sobretodo cuando forma parte de un septeto muy pero muy interesante en sus espaldas y una idea de concierto popular e inevitable, con canciones que todos cantan y quieren escuchar.

Moby en el Luna Park








Aquellos manipuladores de la buena información, apuntan que Moby pasa sus ratos libres tocando música pesada y ensayando heavy metal en una banda que armó con sus amigos de New York. Teniendo presente su soporífero último álbum, Wait For Me (2009), parecía un dato poco probable, aún sabiendo de sus orígenes hardcore e incluso habiendo escuchado esa colección de temas desalmados que publicó allá por el ’96 y bajo el título de Animal Right.


Observando lo que destiló durante la noche del jueves en Buenos Aires, habrá que prestar atención a quienes aseguran que el músico vegano pasa más tiempo pegado a los Marshall y lustrando guitarras, que escudriñando sonidos sintetizados en su computadora o deshojando secuencias detrás de sus teclados. Entonces, remera negra de Joy Division en su torso y viola del mismo color en mano, Moby parió uno de los conciertos más carnales y viscerales que su dilatada trayectoria recuerde.


Así, después de que Poncho (el mash up de “Crua Chan” de Sumo con su spinettiana “Tantra Sky” fue una delicia) le pusiera onda new raver y un ritmo irresistible a la previa, Richard Melville Hall (tal como figura en su Pasaporte) lució su brillante pelada en un espectáculo vibrante, dinámico, pleno de matices. “No puedo hablar español porque soy un gringo ignorante, pero de corazón soy argentino”, dijo apenas comenzado el derrotero y, por primera vez, esas palabras puestas en la boca de un artista extranjero no sonaron a demagogia. De hecho, si lo conociéramos un poco, podríamos decir que lo emocionó el fervor ofrecido por las 5.000 almas que colmaron el Luna Park.
Obviamente, el show fue plantado sobre las bases de Play (1999), su obra cumbre y de la cual se desojaron “Bodyrock” (beat tan demoledor como lacerante), “Why does my heart feel so bad”, “Porcelain” (un mantra siempre mágico) y “Natural Blues”. Así, avalado por hits modernos de este calibre, se internó en el túnel del tiempo y desempolvó “Go”, aquella gema de su primer álbum, cuando era paladín y estampita de los chicos techno.

Escudado en una banda mayormente femenina (el baterista era el único hombre) y llevando las riendas de la velada a la manera de un guitar hero, Moby se lució como un guitarrista de nervio y alta sensibilidad. La versión del clásico de Lou Reed, “Walk on the wild side” (de muy buen gusto el arreglo de violín), y la adaptación d-e-m-o-l-e-d-o-r-a de “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin, le confirieron colores melómanos al set. A ello se le podría sumar la fragancia blusera de “Raining again” y ciertas entonaciones al estilo Ian Curtis (el homenaje no terminó sólo en la remera con el logo de Unknown Pleasures).

Pero, quienes fueron a buscar aquel tecnócrata que hacía las delicias del dancefloor a mediados de los noventa, también tuvieron su premio. En varios pasajes, Moby le dio descanso a sus seis cuerdas y convirtió al Templo del boxeo en una discoteca a punto de estallar, especialmente con “Disco lies” y “The stars”. A esta altura, el calvo ya había puteado, corrido por todo el escenario, disparado riff’s, tocado la batería y hasta ensayado algunos cuernitos con los dedos de sus manos. “Cuando les dije que mi corazón era argentino, era de verdad, no les estaba mintiendo”, vociferó acariciando el final de la faena… No hacía falta, Moby. Curiosamente, te creemos.

KoЯn en el Luna Park


Una noche apocalíptica se vivió en Buenos Aires el pasado domingo 18 de abril. Motivos sobraban: Alerta meteorológica; granizo destructor de coches, ventanas y tejas; frío, lluvia y lo más importante: la segunda presentación de Korn en Argentina, la banda que supo inventar y sobrevivir al género nu metal. Sin dudas uno de los grandes jinetes del fin del mundo.

Luego de su inmejorable primera presentación en nuestro país, allá por el 2008, en aquel festival que trajo también a Ozzy Osbourne, estaba claro que la banda de California debía volver a estos pagos. La cita fue en el Luna Park, ante más de 7 mil almas metaleras, en un show de casi dos horas.




El comienzo fue insólito: quizás puede que nos hayamos mal acostumbrado a esperar más de la cuenta por la aparición de los músicos en los recitales, pero nunca -creo- se había dado la situación de que la banda saliera al escenario 15 minutos antes de lo acordado. Consuelo para los puntuales, enojo para los que llegaron en el horario pautado.



Los primeros acordes de 4U, del disco Issues de 1999, desvirgaron a un auditorio ansioso por ver al cantante Jonathan Davis, el bajista Reginald “Fieldy” Arvizu y a James “Munky” Shaffer en guitarra principal, los fundadores y dueños de Korn. Además los acompañaban Ray Luzier en batería (con personalidad de sobra, al parecer), Shane Gibson en guitarra y Zac Baird en los teclados/efectos.



La masa de gente explotó con Dead bodies everywhere al punto que parecía que era una sola unidad saltando al ritmo de la batería. No había lugar para débiles. Coming Undone fue el primer gran hit de la noche, mezclado, como vienen haciendo en sus demás presentaciones, con el tema de Queen, We will rock you. Para lo que se vivió en Here to stay, de Untouchables (2002), la palabra agite le queda pequeña: Pogo, mosh, frenéticos cabezasos y manotazos por doquier, caos. Una fiesta.



Falling away from me, con un final espectacular de gritos desgarradores por parte de Davis, fueron el puntapié para que todo el campo, plateas y populares les dedicara el típico canto argento “Olé ole ole” y flameara sus remeras, mientras los Korn miraban absortos hasta que el cantante exclamó: ”¡Buenos Aires, you are the craziest motherfuckers! This is a new song, join with us” (¡Buenos Aires, ustedes son unos locos de mierda! Esta es una nueva canción, únanse con nosotros). Esa fue la introducción para Olidale, uno de los temas que será parte de KoЯn III: Remember who you are, grabado con el productor Ross Robinson, que estará en la calle antes de mitad de año.



La lista siguió con Somebody, someone, en el que los puños del auditorio se alzaron al unísono en los estribillos. Did my time, de Take a look in the mirror (2003) contó con la particularidad de que una bandera de Argentina le fue obsequiada (se la tiraron en la cara al cantante) con la insignia de la banda. Uno de los puntos más altos de la noche fue el noveno tema, Throw me away, que, por la cantidad de celulares y cámaras que lo filmaron, seguramente se podrá ver en Youtube desde todos los ángulos posibles.



Un solo de batería, acompañado frenéticamente por el bajo, fue la introducción de Freak on the Leash, mientras que para Faget, del primer disco KoЯn (1994), la guitarra de Munky tocó un acorde similar al sonido de una orca rabiosa. En cambio, todo el mundo reconoció en seguida las primeras notas de Blind para que, de forma muy organizada, se armaran las rondas correspondientes y sean motivadas por J.Davis con un sutil “¡Buenos Aires, make some motherfucking noise!” (¡Buenos Aires, hagan ruido la puta madre!”.



La gaita en manos del cantante indicó el inicio de Shoots and Ladders y sólo quedó lugar para que los californianos se despidieran al palo con Got the Life, agitada por todos los metaleros que avecinaban el fin del recital. La sensación general fue la de “hasta luego muchachos, nos veremos cuando vengan a presentar su nuevo disco, no nos pueden fallar eh”.

Moby, metalero


La electrónica, el tecno, el dance y algo de pop-rock son algunos de los estilos que lo llevaron a la fama, sin embargo, Moby ocultaba una faceta metalera que sacará a la luz con su nuevo proyecto, Diamondsnake.

Formada en abril en Nueva York, -según sus propias palabras- bajo “un amor compartido por entrar en un pequeño, oscuro y mohoso cuarto, enchufar algunos amplificadores y tocar lo más fuerte posible por un tiempo largo”, la banda está integrada por el intérprete de” Porcelain” en guitarra, el vocalista Phil Costello, Dave Gill en bajo y el baterista “Tomato”.
Diamondsnake ya tiene registradas quince canciones que planea mostrar el próximo 17 de junio, cuando brinden su primer show al público en el Highline Ballroom de Nueva York. Los curiosos pueden escuchar como suena el grupo en su myspace.

El Otro Yo te ama


La prolífica banda alternativa de Temperley lanzó “Ailobiu”, un triubto hacia su público y hacia la carrera de la banda. El trabajo es el primero de sus 15 discos grabado fuera de la Argentina, en México, dentro del estudio de Molotov. El trabajo además cuenta con la colaboración de bandas como los propios Molotov, Café Tacvba y Fobia.

Nos juntamos con Cristian, cantante y guitarrista de la banda, para hablar sobre el nuevo disco, el cambio de baterista y la dirección de la nueva música.




Sabemos que debido a la locura de la gripe A, tuvieron que alargar un poco su visita al país de los tacos y los chihuahuas, ¿qué le sumó al disco esta extensión?



Bueno, como no pudimos viajar a Buenos Aires en el momento previsto nos quedamos mezclando más a fondo. El tema de la mezcla es algo muy intenso. Ese trabajo se lo encargamos a Jason Kramer, un norteamericano que grabó bandas como Las Donas y algunos grupos de rap. Él se encargó de darle un sonido más moderno y actual.

¿Qué diferencias encontrás entre la manera de asimilar la música entre los mexicanos y los argentinos?




México es otro pais y tiene otra forma de cultura, siempre encarada con mucho cariño. Los mexicanos o te aman o te odian. Con nosotros particularmente se generó algo lindo que fue creciendo, por eso vamos tanto y por eso decidimos grabar el disco ahi.



En “Ailobiu” parece que se profundiza más la diferencia entre los temas realmente melódicos y prolijos, y los temas más desprolijos y punk rockeros…


Es más que nada parte de la personalidad del grupo. En todos los discos tratamos de plantear un abanico de cosas, sin encerrarnos en una sola cosa. Nuestra idea es que siempre que escuches un disco te encuentres con un monton de estados de ánimo distintos.




Este es el primer disco desde que se fue Ray, y fue reemplazado por Ricky Rua, ex cantante de Los Brujos. Ricky tiene un toque menos duro y más movedizo que Ray, ¿cómo encararon la interrelación con el nuevo batero?



Más que un baterista, buscábamos un artista y Ricky lo es. Por eso al grupo le sumó espontaneidad y juventud. Cono no grabamos nada con él, eso sólo se nota en vivo. Hasta “Ailobiu” fue de hecho grabado por Ray.



¿En qué anda el libro de la historia de El Otro Yo?



Todavía estamos trabajando en él, porque hay un par de personajes que nos falta entrevistar. Queremos lograr algo bueno y eso a veces tarda un poco. Y lo que nos pasa es que la historia sigue, asi que siempre hay que seguir escribiendo.



EOY es una banda que se identifica mucho con la juventud, ¿qué nuevos valores podés encontrar en la nueva camada de músicos jóvenes?



Bueno, lo importante es que halla buenas posibilidades de expresión, en todas sus formas. De ahí va a surgir alguien que patee el tablero y caiga con algo diferente, como pasó en otras épocas. Con nuestro grupo al principio pasó un poco eso; era algo raro, diferente y eso en un principio nos hizo las cosas más difíciles. Pero al final fue esa personalidad única lo que hizo que la banda pudiera perdurar y convertirse en una banda con más de 20 años.

¿Hay alguna actitud en particular que te guste sobre lo nuevo que está pasando?




Algo que es muy bueno es que los chicos están buscando nuevas maneras de encontrar una personalidad musical propia, que te marque una diferencia con el resto. Ya no hay tantas bandas que tratan de copiar algo de afuera, como en su momento estaban los que querían ser “Los Stones de acá”, o “Los Ramones de acá”. Internet un poco que unificó todo eso. Ya ni siquiera es tan importante saber de dónde viene una banda que te gusta.

U2 360° At The Rose Bowl, nuevo DVD de U2


El 7 de junio se pondrá a la venta el DVD de U2 “U2 360° At The Rose Bowl”, que recoge el concierto que la banda irlandesa ofreció el 25 de octubre de 2009 en el californiano estadio Rose Bowl , y que fue transmitido en directo por YouTube. La edición “Deluxe” incluye el documental “Squaring the Circle: Creating U2360°”.

Listado de canciones de “U2360° At The Rose Bowl”;

‘Get On Your Boots’
‘Magnificent’
‘Mysterious Ways’
‘Beautiful Day’
‘I Still Haven’t Found What I’m Looking For’
‘Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of’
‘No Line On The Horizon’
‘Elevation’
‘In A Little While’
‘Unknown Caller’
‘Until the End of the World’
‘The Unforgettable Fire’
‘City of Blinding Lights’
‘Vertigo’
‘I’ll Go Crazy If I Don’t Go Crazy Tonight’
‘Sunday Bloody Sunday’
‘MLK’
‘Walk On’
‘One’
‘Where The Streets Have No Name’
‘Ultra Violet (Light My Way)’
‘With Or Without You’
‘Moment Of Surrender’

Skay sabe muy bien hacia dónde va


Atravesando distintos matices e inaugurando nuevos estilos dentro de su carrera, Skay Beilinson sorprende con “¿Dónde vas?”, su cuarta producción discográfica luego de la separación de la que fuera una de las más grandes bandas de rock del país.

Como se dio a conocer en los días anteriores, el álbum está enmarcado dentro de una excelente concepción visual, a cargo de Rocambole, quien ya había tomado el mando en Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, así como en los pasados discos del artista. Un reloj de arena que funciona, el mismísimo compact-disc presentado dentro de una especie de tela y un booklet preparado a mano, son sólo algunos de los detalles que se tuvieron en cuenta a la hora de darle vida a la producción discográfica.

El álbum se despierta con “Luna en Fez”, una hipnótica canción con marcados rasgos marroquíes, egipcios y árabes, sumiéndose su letra dentro de una atmósfera plagada de sonidos y efectos de semejante magnitud.

“Aunque me quisieron adiestrar, nunca me pudieron domesticar…”. Así comienza “En el camino”, el segundo track que oímos, impregnándose (junto a “Aves migratorias”) en una calidad sonora muy similar a la que ya se pudo escuchar dentro de “La marca de Caín”, su anterior lanzamiento.

El álbum fue grabado en los Estudios Conde, acompañando al guitarrista y vocalista músicos como Claudio Quartero en bajo, Javier Lecumberry en teclados, Oscar Reyna en guitarras y Topo Espíndola en batería.

Algunas de las canciones ya habían podido ser disfrutadas por los que asistieron a los recitales previos al lanzamiento del álbum. Tal es así que temas como “Suelo chamán”, “Lejos de casa”, “Territorio caníbal” y “La rueda de las vanidades” ya habían formado parte del repertorio de la banda anteriormente.

La carrera hacia el final continúa con “Tarde de lluvia”, haciendo su letra una melancólica y extendida descripción del título, puesto que las líricas siempre han sido un punto fuerte en lo que concierne al grupo.

Hurgando dentro de los confines más clandestinos del corazón, llega “El viaje de Mary”, una ruda y prolija interpretación que, sin dar respiro, plaga al álbum de toques de urbanidad y exasperación.

Luego de una sección llena de sonidos ásperos, llega “La pared rojo lacre”, con una guitarra acústica que finaliza sumergiéndose dentro de un mar de adrenalina.

“Aplausos en el Cosmos” hace su entrada triunfal sobre el final del disco, con sonidos y sampleos -quizás haciendo apología a su magnífica portada, el final del disco posee el sonido de un reloj-, que emulan la última época de la banda que lo llevó a Skay a la gloria, asegurándole un trono bien merecido dentro del emporio del rock.

Como conclusión, en éstos cuarenta y dos minutos, Skay nos demuestra que realmente sabe hacia dónde va, y que sigue vigente como ninguno, con la plena convicción de que su trabajo tendrá más seguidores que detractores. Seguramente, los aplausos llegarán hasta desde el cosmos.

Rasta Rex











Dread Mar I realizó su tercera y última actuación en el Teatro Gran Rex como presentación oficial de su flamante “Viví en Do”. Tres capítulos temáticos agruparon a las 37 canciones que conformaron el show: “Fuego”, “Amor” y “Verdad” fueron los títulos elegidos para cada uno de ellos.

“No convencerán” dio el puntapié inicial al concierto y marcó el inicio del primer bloque integrado por 13 temas. “Vos y tu maldad” y “Castigo” encendieron al público que estalló en una multitudinaria ovación durante “La Fe”.


Los temas de la sección “Fuego” mostraron la faceta mas combativa de Dread Mar I, quien interpretó con el carácter necesario cada una de las canciones: corrió, bailó y pidió “Amor y Paz” para todo el mundo. “Me doy cuenta”, “Hablan” y “My Lord” completaron el podio de las más festejadas en la primera etapa que culminó con “Moisés”.

La pantalla gigante de alta definición ubicada detrás de los músicos acompañaba con diferentes secuencias de imágenes a las canciones y guiaba a los espectadores señalando el principio y el fin de cada bloque.


“Amor” fue la denominación escogida para el segundo capítulo que exhibió la faceta lover de Dread Mar I y provocó el delirio de la basta platea femenina. Enfundado en un elegante traje gris, Mariano Castro abrió el bloque con “Sufro” e hizo hincapié en las canciones de su último trabajo; Solo “Tu sin Mi”, “Mi amor” y “Sálvame” fueron extraídas de discos anteriores.


El fanatismo, la alegría y las buenas vibraciones que transmiten las flamantes composiciones marcaron este bloque de 12 canciones, entre las que se destacaron “No te amo”, “De lejos” y “Migajas”, que terminó al compás de “Papel vida”. La ausencia de los coros presentes en el disco se sintió en mayor medida a lo largo de esta etapa ya que son uno de los condimentos más significativos del repertorio lover.

El último capítulo fue bautizado “Verdad” y estuvo integrado por 8 temas dedicados a Jah. Un nuevo cambio de vestuario, tam roja, camisa a cuadros y zapatillas a tono, evidenció a un Dread Mar I relajado. La intensidad de esta etapa se mantuvo en alto de “Principio a Fin”, como el tema que abrió el bloque. “Si te busco”, “La meta” y “Rayo de sol” anunciaron que el final estaba cerca.


La banda cerró el tramo final con “Donde estés” y se despidió del escenario pero, cuando todos se decidieron a emprender la retirada, Dread Mar I volvió a las tablas para regalar tres temas mas: “Aunque digan”, “No corras” y “Promesas”. Una nueva retirada fingida, con las puertas del teatro abiertas, y de vuelta a bailar con “La misión” para redondear una noche que, sin dudas, dejó satisfechos a todos y tuvo un final feliz.

Los árboles cantan de pie


Árbol sacó un nuevo disco, “No me etiquetes”; el segundo desde la salida de Edu Schmidt (actualmente persiguiendo una carrera como solista y productor) y el sexto desde que se formó la banda, hace ya más de 15 años.

Éste nuevo trabajo es un potpurrí de distintos estilos musicales y conceptos, buscando una nueva identidad para el grupo, luego de la salida de una de sus almas maters. Nos juntamos con Pablo (guitarra y voz) y Hernán (guitarra) para hablar sobre el proceso de creación del nuevo disco.




Tomando en cuenta que vienen de viaje, ¿Cómo sienten que los fans de Árbol de afuera del país reciben a la música de la banda?



Hernán: Bueno. algo que nos dimos cuenta manejando toda la ironía que envuelve al nuevo disco fue que el argentino tiene un sentido del humor bastante afilado y punzante. La ironia para nosotros es como una moneda corriente, y en el resto de Latinoamérica no es tan así. Eso llevó a ciertas confusiones, porque “No me etiquetes” es un disco muy irónico. En Colombia, por ejemplo, un tema como “Plata plata” fue tomado demasiado en serio y eso nos jugó un poco en contra.



Hablando de ironía y confusiones, en el primer corte del nuevo disco, “Sábado en Ramos”, pareciera que la banda le hace culto a cosas completamente frívolas y carentes de contenido, como puede ser delirarse un fangote de guita poniéndose en pedo un fin de semana…



Pablo: Esa es la ironía de la que hablábamos. Y dentro de todo eso encontrás la frase “la felicidad solo es real si es compartida”, así que al final tan frívolo no es el mensaje de la canción. Si ves al disco como algo entero, vas a ver que después de ése tema viene uno hardcore, que no tiene mucho que ver con la onda electrónica. Pero eso es parte del concepto del disco, eso de no prejuzgar a nadie, ni a el mensaje de la banda misma.



Tengo entendido que ese concepto que hace al disco fue de hecho idea tuya, Pablo, y que por eso fue que te volviste productor de “No me etiquetes”, ¿Podés hablar un poco más de la idea original?



Pablo: El concepto tenía que ver con hacer un disco arriba, con energía positiva, mucha ironía, que abordara varios estilos y que además fuera corto, que valla al grano. Ya desde el título “No me etiquetes” tiene que ver con la libertad y con salir del encasillamiento. Por eso en el disco se abordan tantas temáticas y estilos distintos.



Todo productor tiene su método y me gustaría saber cuál es el que usaste vos para sacar adelante el disco.



Pablo: Bueno, en general como productor no tengo un método fijo. Cada grupo tienes su forma de trabajo y sus códigos propios, como una familia. El productor se tiene que amoldar a eso. “No me etiquetes” fue un poco más difícil de hacer que lo que estoy acostumbrado, porque cuando uno trabaja con otros grupos siempre trae la visión de afuera y eso ayuda. Con este disco, yo soy parte del grupo. Así que elegí los temas que tenían que ir y después me tomé una pequeña vacación de un par de semanas, dejando que mis compañeros pudieran ensayar los temas. Después volví con la mente más despejada, listo para ver las cosas desde un lugar más objetivo. Cuando ya teníamos los temas elegidos y grabados, le pase la mezcla del disco a Hernán aquí sentado.



¿Y vos Hernán cómo encaraste la mezcla del nuevo disco?



Hernán: Como Pablo, tuve que salir un poco de mi propio rol en la banda, aunque no gocé de la pequeña vacación que sí gozó él. Las mezclas en general tienen que ver con combatir los sonidos que chocan entre sí y sacar a flote los que suenan bien juntos. Una gran ayuda fue la de Ariel Lavigna, que masterizó el disco. Él es una persona con mucha experiencia en tango y folclore, (hizo el último disco de Mercedes Sosa), pero que también tiene una visión de lo que tiene que ser el rock.



Los sonidistas son en general perfeccionistas, ¿vos sos uno de ellos?



Hernán: En general sí, pero con este disco no hubo mucho tiempo. El material para mezclar me llegó 2 semanas antes de tener que entregarlo a la discográfica, entonces tenía que hacer mas menos a 1 cancion por día. Eso, aunque me corrió un poco con el tiempo, tambien me ayudó a hacer las cosas mas dinámicas. Las mezclas a los sonidistas son como los cuadros a los pintores. Nunca terminás de mezclar algo, sino que más bien lo abandonas, de la misma manera en que nunca terminás de pintar un cuadro.



¿Cuál va a ser el próximo video-corte de “No me etiquetes?



Va a ser el de “Volver al barrio”, que lo terminamos hace poco, con Eduardo Pinto, el mismo que hizo “Sábado en Ramos” y que también trabajo con Cuentos Borgeanos, Catupecu Machu, y muchos mas…



¿Salen minas en bolas o pendejas lesbianas, como en los cortes anteriores?



No, todo lo contrario. Es un video en blanco y negro que cuenta la historia de un tipo que vuelve a su barrio natal y que nos muestra a nosotros volviendo a la vieja sala. Tiene que ver con el concepto de extremos que queremos dar con el disco. La idea ahora es mostrar algo distinto a lo que venimos mostrando.



Por último, se viene un concierto en su tierra natal, la República Separatista de Haedo, ¿qué podemos esperar de ese show?



Pablo: Estamos preparando una lista bien larga, que abarque varias épocas del grupo. Hablamos de 25 canciones, entre 1 hora 40 minutos y 2 horas de show. También vamos a presentar parte del nuevo disco, aunque la presentacion oficial va a ser más a mitad de año, cerca de agosto. Eso último probablemente lo hagamos en un lugar más chico que de costumbre, para tener un mejor contacto con la gente.

murió el creador de Sex Pistols, Malcolm McLaren


A los 64 años, y como consecuencia de un cáncer, ayer, 8 de abril, falleció en Suiza Malcolm McLaren, el legendario manager y creador de Sex Pistols. Sus restos serán traslados a Londres para ser sepultados en el cementerio de Highgate.



McLaren había nacido en Londres en 1946 pero creció en Stoke Newington antes de ingresar a diferentes escuelas de arte como St Martin's College Of Art y Goldsmiths College.



Previo a pergeñar a los Pistols, la banda seminal del punk rock, y llevar adelante sus destinos desde 1975 a 1977, McLaren regenteó Let It Rock, una tienda de indumentaria ubicada en la capital británica, junto a la diseñadora y luego socia Vivienne Westwood (con quien tuvo un hijo, Joseph, en 1967), y que luego cambió su nombre por Too Fast To Live Too Young To Die hasta encontrar su más famosa y definitiva denominación: SEX.



Fue allí donde John Lydon audicionó para ser el cantante de Sex Pistols, haciendo la mímica sobre un álbum de Alice Cooper.



McLaren incluso fue representante de New York Dolls, a quienes conoció en Nueva York y en donde visitó el mítico club punk CBGB, antes de regresar al Reino Unido para lanzar a los Pistols.



Además de su trayectoria como manager (también estuvo detrás de Bow Wow Wow), el pelirrojo personaje desarrolló sus propios proyectos musicales, editando el primero de sus álbumes, Duck Rock, en 1983, y teniendo grandes hits en Inglaterra como por ejemplo “Buffalo Gals”, “Double Dutch” y “Madame Butterfly”.



En las últimas tres décadas continuó editando discos, destacándose el del año pasado, Shallow – Musical Paintings. Estuvo también involucrado en la producción de dos films dedicados al punk y a los Sex Pistols con el director Julian Temple, y fue una de las primeras personas que apoyó y difundió la música electrónica en el circuito de clubes bailables.



Conmocionada por la sorpresiva noticia, la mismísima Vivienne Westwood lo recordó con las siguientes palabras: “Cuando éramos jóvenes estuve enamorada de Malcolm McLaren. Creo que era hermoso y aún lo es. Pienso que era una persona muy especial, carismática y talentosa. Pensar en él muerto es realmente algo muy triste”.

El divino Andrés


Andrés Calamaro ya tiene nuevo simple y acá se puede escuchar: “Los divinos” es el adelanto de su próximo disco, que estará en la calle el 1 de junio y se llamará “Calamaro on the rock”.
“Los divinos”

Cuando un cántaro se rompe,
y no hay monedas en la fuente.
Cuando uno se despierta,
y ya no es indiferente.

Y no existen los destinos,
ni siquiera los divinos,
desafinan los metales,
sin principios ni finales.

La ciudad se queda sola
y nadie me da bota.

Hoy es hoy, ayer fue hoy, ayer…

Cuando te quedas adentro,
mientras se derrite el centro.
Siempre hay alguien acostado,
sin aire acondicionado.

Y no existen los relojes,
el verano esta caliente,
desafinan los pianos,
como todos los veranos.

La ciudad se queda sola,
y nadie te da bota.

Hoy es hoy, ayer fue hoy, ayer…

Y no existen los destinos,
ni siquiera los divinos,
desafinan los metales,
sin principios ni finales.

La ciudad se queda sola,
y nadie, nadie, nadie te da bota.

Hoy es hoy, ayer fue hoy, ayer


Poco se sabe de este nuevo trabajo, sucesor de “La lengua popular” (aunque en el medio haya editado “Obras incompletas”). La banda que lo acompaña está integrada por Guido Nisenson, Candy Caramelo y Rafael Arcaute. Y además, tendrá varios invitados: Diego El Cigala, Enrique Bunbury, Loquillo, Niño Josele, Calle 13 y Pereza.

En cuanto a las próximas presentaciones del Salmón, están confirmadas: 1 y 2 de mayo en Junín, 4 en Rosario, 7 en Neuquén, 9 en Mendoza, 14 en Montevideo y 17 en La Plata.

En su cuenta oficial de Twitter (reconocida recientemente), Andrés publicó: “Ya sabemos que LA PRIMERA CANCION tambien es la mas ligera, pero tambien sera la preferida de algunos , aun asi … tiempo al on the rock”.

Divididos, patrimonio de la humanidad




Después de ocho años sin editar un disco de estudio, Ricardo Mollo, Diego Arnedo y el baterista invitado Catriel Ciavarella volvieron a hacerse presentes en las bateas. Y la “inauguración” en vivo fue entre las montañas jujeñas.
Sobre el cierre, Divididos encara la última cuesta con la mochila ya un poco menos pesada: esta emocionante versión de “Mañana en el Abasto” con el erke de Fortunato Ramos y la voz de Micaela Chauque viene a develar que el espíritu de la canción de Sumo de que blasfemaba Luca Prodan no era otra cosa que una baguala, que ahora rasguñan (y desgarran) Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Catriel Ciavarella, con esa aridez contundente que tan bien les cae en este marco imponente. Estos arrieros vienen arriando sus penas, pero también sus alegrías. La pena de haber tenido que esperar ocho años para volver a editar un disco de estudio (Amapola del ’66), la alegría de encontrarse con el entorno de Tilcara, que tan bien les sienta y que esta vez rondó los quince mil espectadores, e inundó el predio de hippies autóctonos, pobladores de la zona, mochileros wi fi, rockeros del palo del noroeste argentino, y algunos porteños entusiasmados, que ya tenían ganas de comprar una nueva remera de Divididos. No es que Mollo y los suyos se hayan ido a ninguna parte en todo este tiempo, ni que hayan estado retirados, pero ésta es la vuelta al circuito de la industria discográfica de la Aplanadora del Rock con los pies puestos sobre la tierra, con un disco y dvd que muestra lo mejor de la banda, sin aportar tal vez furiosas novedades, pero que en poco tiempo estará llegando a los 30 mil ejemplares vendidos. E irá por más.

Charly Alberti






Biografía
Carlos Ficicchia: nació el 27 de Marzo de 1963 en la Ciudad de Buenos Aires. Su acercamiento a la batería se produjo por parte de su padre, Tito Alberti, famoso baterista de jazz, quien desde un principio quiso que su hijo siguiera sus pasos. Dado a este interés, Charly comienza a los 6 años de edad a estudiar percusión con Willy Iturri, pero como nunca le gustó que le dijeran lo que tenía que hacer, tomaba las clases como una obligación, esperando que se pasaran las horas para que la lección concluyera, y así poder irse a su casa. De cualquier manera, esas primeras clases rendirían sus frutos años más tarde, a pesar de la negación del joven Alberti.
Durante sus años de primaria, asiste a una escuela pública del barrio parque de River, donde practica waterpolo y hockey sobre patines, y desarrolla una gran fascinación por la naturaleza y los animales, especialmente por los peces.
Es recién en la secundaria donde comienza a trabajar, ayudando al padre como iluminador en sus presentaciones, ingresando por primera vez en ese ambiente que luego tan bien llegaría a conocer. Decide abandonar los estudios, y meterse de lleno en el sueño de ser músico. Formó parte de su primer grupo llamado Gens a los 16 años, incentivado por Tito Alberti, realizando covers y música disco (Bee Gees, Kool and the Gang, etc), y teniendo como compañeros de la banda de su padre, al tecladista Angel Mahier, y al guitarrista Carlos García López. Tocaban en fiestas de cumpleaños, y con las pocas ganancias que obtenían, pudo comprarse su primera batería profesional, una Pearl. Por un tiempo deja de lado esto, y se une a la formación de Radio City, para tocar jazz, rock, música latina y new wave.
A partir de entonces, Alberti comienza a estudiar audioperceptiva y armonía con la mujer del pianista Juan Carlos Cirigliano, circunstancia que lo acercaría nuevamente a los estudios de batería abandonados en la infancia, encarándolos ya como autodidacta.
Fanático las revistas importadas, y de los adelanto tecnológicos, comienza a escuchar toda música que encuentra a su paso. El primer disco que adquiere es "La grasa de las capitales", de Serú Girán, que le termina de contagiar aún mas las ganas de tocar ese instrumento, el cual venía conociendo, debido a su encanto por los rototoms usados por Oscar Moro. En ese momento, comienza asimismo a interesarse por la música que se estaba haciendo en Argentina.
onciente de lo difícil que sería su incursión a nivel profesional, empieza a buscar un estilo propio que lo caracterice. Jamás se apegó a viejas tendencias, ni trató de sacar yetites de otros músicos. Tampoco estudiaba las lecciones a la manera tradicional; las hacía al revés. No quería que ningún batero lo influenciara, escuchaba los discos algunas veces y trataba más bien de rescatar el concepto y no lo que tocaban, para así marcar un estilo único y diferente. Ensayaba entre 5 y 6 horas por día, poniendo énfasis en el movimiento de sus brazos, y de su cuerpo con cada golpe en su instrumento, practicando frente a un espejo.
En enero de 1982 conoce a Gustavo Cerati, al intentar primeramente tener una cita con su hermana, a quien vio una tarde en las piletas del Club Atlético River Plate. Si bien nunca se produjo romance alguno, surgió la posibilidad de hablar con ella sobre los proyectos de Gustavo, enterándose de la búsqueda por parte de Cerati y Zeta Bosio de un baterista para una nueva banda. De esa manera comienza la relación del trío en vistas de la formación del nuevo grupo, que por entonces sería llamado Los Estereotipos, pasando a ser conocido al año siguiente como Soda Stereo.
Durante un alto en su carrera con los Soda, se toma un tiempo para encarar su primer proyecto solista, y en 1995 graba el disco "Plum", junto a su entonces novia Déborah de Corral (en voces y coros), quien se desempeñaba como modelo publicitaria. Participan además Ulises Butron en guitarra acústica, Andrés Alberti en bajo y guitarra, Andy Dulces en guitarras, y Zeta Bosio en bajo. El disco fue grabado en Digital South y en los estudios Supersónico por el ingeniero Eduardo Bergallo y producido por Daniel Kon. A su vez, se edita una versión limitada de remixes, que sólo se conseguía en discotecas.
En 1996, surge Cyberelations, una estructura creativa altamente especializada con el primer objetivo de posicionar a Apple Macintosh en Argentina. La fundación fue cumplida con creces en un tiempo récord, y en solo cuatro meses la empresa ya estaba entre las 25 principales como mejor imagen y prensa del país. Por otro lado, lidera un importante sitio de Internet llamado Yeyeye, el cual actualmente ya no está disponible. Perteneció al sello URL Records, y formó parte del grupo tecno Audioperú. Por entonces, y luego de finalizada la gira de "Sueño Stereo", encara la creación de la web propia de Soda Stereo, www.sodastereo.com, que contó con actualización mes a mes, datos, información, fotos, videos, y noticias del trío, hasta finales de setiembre de 1997.
Luego de la separación en Setiembre de ese año, Alberti lanza su propio sitio personal, www.charlyalberti.com, que cuenta con fotos, anécdotas e información sobre la trayectoria y actividades personales. Si bien se aleja durante varios años de los escenario, para 2006 se junta con su hermano Andrés Alberti (ex integrante de Santos Inocentes) en guitarra, Sergio Bufi en voz y guitarra, y Ezequiel Dasso en bajo y coros, para así formar Mole, su más reciente proyecto musical. El 11 de abril de 2007 se edita su primer álbum, titulado de igual nombre que la banda. "El trabajo está pensado desde el vivo, y es consecuencia de un gran deseo de volver a experimentar la energía de estar en el escenario, y de entregarle al público algo fuerte, que lo haga irse del show o terminar de escuchar el disco con una gran carga de adrenalina" explica Alberti sobre la novedosa propuesta.
"Mole" fue grabado entre abril de 2006 y enero de 2007 en la Sala Room Studios, Unísono y Ave Sexua Studios contando con la producción de ambos hermanos Alberti. Mezclado en Circo Beat por Mariano López y masterizado en los estudios Sterling Sound de New York, en Estados Unidos. Tweety Gonzalez estuvo a cargo de la producción de la mezcla, y la placa fue presentada en vivo por primera vez en forma privada en La Trastienda Club, el 27 de Marzo, en ocasión del cumpleaños del ex-Soda.

Cerati, nominado a 3 Grammys

Kings of Leon en el estudio


Después de sacarle el jugo suficiente a Only by the night, el multi-premiado disco que Kings of Leon editó en el 2008, la banda anunció que ingresó a estudios a registrar un nuevo álbum, que se convertirá en su quinto material discográfico.

Nathan Followill será el encargado de informar que sucede día a día en el estudio a través de su página de twitter. El baterista describió el primer día de grabación (el pasado lunes) como “un éxito musical”, mientras que el martes dijo que se hicieron “unas zapadas que seguro les van a gustar”.

Es muy temprano aún para determinar el rumbo musical que tomará el esperado nuevo álbum de la banda pero sin duda tendrán que esmerarse para igualar o mejorar Only by the night, disco que los lanzó al estrellato mundial gracias a los hits “Closer”, “Sex on fire” y “Use somebody"

La Sobrecarga vuelve a la carga


Imaginate la siguiente frase: "Reinan en la confusión, bajan de los sueños. Aprietan el cuello los vicios del poder. Condenado, condenado". Sumale un beat electro que te haga mover la patita y, además, un audio de radio sobre las leyes de Obediencia Debida y de Punto Final. Eso era de La Sobrecarga, un seleccionado de música oscura (Los Encargados, Los Laxantes, Los Pillos, Sumo) que posdictadura marcaron una huella diferente de la algarabía dominante en grupos como Virus. Si los conocés, andá alegrándote y, si no, lo mismo, porque tendrás la oportunidad de hacerlo: decidieron volver a tocar juntos, el 9 de abril en el Teatro de la Cova.

César Dominici (guitarra y voz) y Gustavo Collado (luego, primer baterista de Divididos) nacieron, al igual que la banda, en Trenque Lauquen, provincia de Buenos Aires. Recién en el 83, en Capital Federal y con la ayuda de un joven Horacio "Gamexane" Villafañe, arrancó La Sobrecarga. "Todas estas cuestiones temporales a mí me la sudan. Lo que pasa es que nunca nos peleamos. Cada dos años, como máximo, nos juntábamos. Es verdad que ahora les prestamos más atención a los ensayos, que cambiamos de bajista [no está más Guillermo Robles; se sumó Hernán Firpo] y que Leandro Belizán está en teclados. Pero la música es como los hijos: si los abandonás, sos un hijo de puta", dice Gamexane, descreyendo por completo de la idea de revival.

Con influencias que iban (y vuelve a ir) desde el folclore hasta el post- punk más complejo, y pese a que sus dos LPs (Sentidos congelados, del 86, y Mentirse y creerse, del 87) fueron reeditados en un CD difícil de conseguir, La Sobrecarga no desapareció de la historia del rock nacional. "Después de mucho tiempo, encuentro jóvenes que conocen la banda y las canciones. No sé a qué responde, porque soy parte, pero me siento totalmente halagado de que todavía sigamos picando", asegura Dominici; y Collado interrumpe: "Quizá tenga que ver con que lo hicimos seriamente, sin ningún condicionamiento. Para llegar a eso, nos peleábamos, cuidábamos el material y defendíamos nuestras opiniones. Era importantísimo para nosotros".

La Sobrecarga teloneó a The Cure en su controvertida visita a Ferro, y en ese entonces el grupo no se tomaba en joda la idea de que su sonido evolucionara: "En su momento, cometimos un suicidio comercial. Con Sentidos congelados nos había ido bien, nos llamaban para tocar en Domingos para la juventud, vendíamos discos. En vez de seguir en esa línea, cuando tuvimos a disposición un estudio pedimos que nos dieran vuelta la cinta para grabar al revés y jugarnos por lo experimental", se enorgullece Gamexane; y Dominici suma que en su momento fueron de los pocos en meterse en todo el proceso de producción del disco (¡hasta en el corte del vinilo!). Ahora que la música ya no está condicionada al hecho de acceder a buenos estudios, La Sobrecarga modelo 2010 pretende aprovechar esa nueva inocencia para transformarla en nueva música. "Seguimos siendo un aliado para el miedo y donde nada pasa, todo puede pasar", repiten ellos, como un mantra interno.

Trent Reznor alista su nuevo proyecto musical


Trent Reznor decidió desoír los consejos sobre los peligros de trabajar con las parejas y decidió iniciar un nuevo proyecto musical con su esposa. How to Destroy Angels es el nombre del grupo que formó el líder de Nine Inch Nails con su mujer, Mariqueen Maandig, ex vocalista del grupo West Indian Girl.


A pesar de que los detalles aún son escasos, se supo que el grupo estará lanzando un EP homónimo de seis temas en algún momento del verano boreal. El único material concreto que existe sobre How to Destroy Angels hasta el momento, es un video promocional de 40 segundos en el que se puede ver las manos de una mujer (seguramente de Maandig) girando unas perillas y transmitiendo unos sonidos industriales, similares a los que Reznor hace en NIN.

Con estas noticias se confirman los dichos de Reznor, quien en diciembre del 2009 había anunciado más música de Nine Inch Nails y “algo que no es Nine Inch Nails” para sus planes de este año. Habrá que ver como resulta.

Todos Tus Muertos: Vuelve a la vida con nuevo disco


A una docena de años de su último álbum en estudio, El Camino Real (1998), Todos Tus Muertos regresará al mercado discográfico con un flamante álbum, el primero sin Fidel Nadal y el sexto sin contar Subversiones (1996) y Re-Unión En Vivo (2006).
Así, bajo el sugestivo título de Crisis Mundial, el grupo que fue bandera del movimiento alterlatino ingresará con nuevo material en el milenio y la colaboración de amigos como Cucho Parisi (voz en “El reventón”) y La Mosca Lorenzo (co-productor), ambos pilares de Los Auténticos Decadentes.
La obra contará con una docena de canciones, entre las que se destacan los covers de Bob Marley y Lee “Scratch” Perry, además de temas propios como “Pulso”, “Sea lo que sea”, “El ritual de la muerte”, “Medios de confusión” y “Eres mi vida”, entre otros.

Se cumplieron 40 años de la separación de The Beatles